Цвет — это клавиши, глаз — молоточек, душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством той или иной клавиши целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу.
В.В,Кандинский
Музыка и живопись, как и любые другие виды искусства, являются совершенно особыми и уникальными средствами интерпретации окружающей действительности. Музыка отражает то, как видит мир её творец — в звуках, живопись — в красках.
Возникает вопрос: как сильно связаны между собой эти виды искусства и можно ли услышать картину? Некоторым людям под силу добиться этого через полную иммерсию средствами собственного воображения. Но что в таком случае делать тем, у кого это не получается?
Кажется, что единственный выход — мультисенсорное искусство. Однако исчерпывающие ответы на эти вопросы были даны задолго до его появления. Постулат таков: каждый человек способен соотнести зрительный образ с музыкальным, зная технологию взаимодействия с произведением искусства.
Картины, которые молчали
Поиском взаимосвязи между мелодией и изображением занимались со времён Аристотеля и Пифагора. Пифагор, к примеру, считал, что все сущее имеет голос. Однако его умозаключения о проявлениях музыкальной гармонии носили скорее философский характер.
Практически первое появление музыки в живописи было чисто номинальным. Оно не привело к воздействию произведения искусства сразу на два канала восприятия. «Музыка» рассматривалась художниками в прямом смысле: на картинах изображались музыкальные инструменты или играющие на них, поющие или танцующие персонажи. Поэтому изображаемое так и не вызывало у зрителя никакого слухового представления.
Музыкальные ритмы можно было условно уловить лишь на работах тех живописцев, чьи картины не были статичны. Звук, при этом, оказывался исключительно визуальной вибрацией струнных инструментов или движением персонажа на полотне.
Взгляд экспрессионистов
Ближе всего к решению проблемы подошли экспрессионисты (начало ХХ в.). Они придавали большое значение «музыкальности картины». При этом, музыкальность абсолютно не связывалась с гармонией и благозвучностью. На первый план вышла спонтанность чувств.
Более того, художник призван был создавать свою особую систему знаков посредством нарушения традиционной перспективы и игры с цветом, контрастом и формой. Он руководствовался преимущественно личными ощущениями и эмоциями в моменте, которые фиксировал на полотне. В результате на картине поселялся хаос. Она не просто транслировала поток чувств художника и кричала зрителю о его боли или радости в свободной манере, но по-настоящему походила на какофонию звуков. Но разве к ней стремились предыдущие поколения художников, интегрировавшие музыку в живопись?
Теория цветовосприятия Кандинского
Василий Кандинский (1866–1944), художник-экспрессионист, стоящий у истоков абстрактной живописи, тоже исследовал взаимосвязь между звуками, цветами и формами и, в отличие от предшественников, разработал и обосновал концепцию синтеза разных видов искусств и сформулировал теорию цветовосприятия.
Для него цвет — инструмент воздействия на душу человека. А картина — это симфония чувств и цветов, эталоном для создания которой является музыка. Цветовая палитра по его мнению вызывает вибрацию души и передает глазу человека не только саму «картинку», но и сведения о запахах и звуках. Наиболее успешно это работает в абстрактной живописи. Она высвобождает цвет, линию, форму и плоскость из оков материального мира и наделяет эти категории звуковой мелодикой. Картина становится оркестром, благодаря чему зритель и ощущает аккорды цвета.
В конечном счете В.В.Кандинский проводит четкие аналогии между оттенками красок и тембром звука музыкальных инструментов. Опорой для систематизации стал цветовой круг Иттена. Красный цвет в нём художник ассоциировал со звуком трубы или барабана, жёлтый — с трубой или фанфарами, оранжевый — с альтом. Фиолетовый для него — это фагот, синий — виолончель, контрабас или орган, а зелёный олицетворял спокойные, растянутые средние тона скрипки. Особенными были чёрный и белый цвета. Белый для Кандинского — цвет вселенной и безмолвия, своеобразная пауза в музыке, а чёрный — это вечное безмолвие без надежды и будущности. На фоне белого другие краски теряют силу. На чёрном они звучат ещё сильнее.
Частота визуальной волны
Значит ли это, что все то, что предшествовало революционным направлениям в живописи, не было способно передать звук, поскольку создавалось художниками интуитивно и бессистемно?
С одной стороны, взгляды экспрессионистов и концепция Кандинского, хотя и не универсальны, вполне справедливы и допустимы. Однако связь между музыкой и живописью все же можно установить другим способом.
Для этого посмотрим базовые понятия: звук, частота, волна и цвет.
Звук в широком смысле — это совокупность волн различных частот. Высота звука — это частота, измеряемая в герцах. Частота — скорость повторяющихся биений, ударов или колебаний в секунду. Каждая нота графически обозначает музыкальный звук и, соответственно, имеет свою частоту.
Цвету тоже присуща частота. Цвета измеряются длиной волны, то есть промежутком между упомянутыми колебаниями.
При самом простом подходе к систематизации 7 нот можно наложить на 7 монохромных цветов (цвета радуги). Выведется примерно следующее соответствие:
- до – зелёный
- ре – голубой
- ми – синий
- фа – фиолетовый
- соль – красный
- ля – оранжевый
- си – жёлтый
- абсолютный покой – белый
Это обозначает лишь одно — любой картине присуща своя музыкальная мелодия, которую может услышать даже человек со зрительной дисфункцией (дихромазией или дальтонизмом) при помощи специальных устройств.
В любом случае музыка и живопись в действительности обладают рядом общих закономерностей. Они во многом дополняют друг друга. Чем более абстрактна живопись, тем больше будет музыка восполнять пробелы в понимании картины. И именно музыка рассматривалась многими художниками в качестве ориентира творчества.
Редактор: Оксана Литвинцева